自宅でギターを録音してミキシングする方法: George Lever と Forrester Savell からのヒント

劣悪なベッドルームプロデューサーの時代は終わりました。制作機材やソフトウェアがこれまで以上に手頃な価格になるにつれ、予備の部屋がアビー ロードの代替としてより現実的になる

Gone are the days of the inferior bedroom producer. As production gear and software becomes ever-more affordable, spare rooms become more viable alternatives to Abbey Road. 

劣悪なベッドルームプロデューサーの時代は終わりました。制作機材やソフトウェアがこれまで以上に手頃な価格になるにつれて、予備の部屋がアビー ロードの代替としてより現実的になってきます。

Whether your homemade productions are for sharing with bandmates, seducing industry professionals or official releases, the tech is more accessible than ever – but making your music stand out in a saturated market isn’t.

自作の作品がバンド仲間と共有するためのものであれ、業界の専門家を誘惑するためのものであれ、公式リリースのためのものであれ、テクノロジーはこれまで以上にアクセスしやすくなりましたが、飽和した市場であなたの音楽を目立たせることはそうではありません。

With so many variables to self-recording and mixing guitars, as well as a raft of conflicting information online, Guitar World sat down with esteemed producers George Lever (Sleep Token, Loathe, Monuments) and Forrester Savell (Karnivool, Tesseract, Caligula’s Horse) to learn about what to do, and what not do, to make your productions pop.

ギターのセルフレコーディングとミキシングには非常に多くの変数があり、オンラインでは矛盾した情報が多数あるため、Guitar World は尊敬されるプロデューサー、ジョージ レバー (Sleep Token、Loathe、Monuments) と Forrester Savell (Karnivool、Tesseract、Caligula's Horse) に話を聞きました。あなたの作品をポップにするために何をすべきか、何をしてはいけないかを学ぶためです。

Before recording

録音前

Like everything, preparation is key. Savell stresses the importance of players learning their parts before entering a recording environment; but Lever goes one step further by emphasizing the value of players “understanding their instrument to the best of the ability”.

すべてのことと同様、準備が重要です。 Savell 氏は、プレイヤーがレコーディング環境に入る前に自分のパートを学習することの重要性を強調します。しかしレバーはさらに一歩進んで、奏者の「自分の楽器を能力の限り理解する」ことの価値を強調しています。

He says: “There’s an assumption that recorded guitar should sound like MIDI, but that ignores the builds of different guitars – the way it's set up, the string tension relationship with the tuning that you’re playing in, and how the left-hand influences microtonal changes to the tuning.

彼は次のように述べています。「録音されたギターは MIDI のように聞こえるはずだという思い込みがありますが、それはさまざまなギターの構造、つまりセットアップ方法、弦の張力と演奏しているチューニングの関係、左手の演奏の仕方などを無視しています。チューニングの微分音の変化に影響を与えます。

“Or whether the pickups can perform in the way you want them to. The best thing someone can do before hitting record is become the most intuitive musician that they can, based on what they want to achieve with their instrument.”

「あるいは、ピックアップが期待通りのパフォーマンスを発揮できるかどうか。レコードをリリースする前に人ができる最善のことは、自分の楽器で達成したいことに基づいて、できる限り直感的なミュージシャンになることです。」

He also recommends tuning to a piano at full volume, rather than relying on a tuner, as they “don’t tell you about the variation that might be occurring above and below the pick attack, or during the sustain.” He adds: “When tuning to a piano note, you can hear how in tune you are versus the piano – that’s why you’ll see orchestras tuning to each other.”

また、チューナーに頼るのではなく、フルボリュームでピアノをチューニングすることも推奨しています。チューナーは「ピッキングアタックの上下やサスティン中に発生する可能性のある変動については教えてくれないからです」。 「ピアノの音に合わせてチューニングすると、ピアノに対して自分のチューニングがどの程度合っているかがわかります。だからこそ、オーケストラがお互いにチューニングしているのが見えるのです。」

Safety first

安全第一

Savell says bedroom producers can be guilty of “poor tonal choices,” so it’s important to set up a get-out-of-jail-free card. “As a safety mechanism you should be recording your guitars with a DI so that your tone can be rescued if needed.”

サヴェル氏は、寝室のプロデューサーは「不適切な音色の選択」を犯している可能性があるため、脱獄カードを設定することが重要であると述べています。 「安全策として、必要に応じてトーンを救えるように、ギターを DI で録音する必要があります。」

You also want a suitable gain level. If it’s too loud there’s the risk of clipping, which is a difficult thing to fix. But if you overcompensate, a recording may include too much of the electrical noise inherent in guitars, cables and pedals. Says Lever: “I’ll make the loudest sound I can make on the guitar until it doesn’t clip on a preamp, then go back one notch.”

適切なゲインレベルも必要です。音が大きすぎるとクリッピングの危険性があり、これを修正するのは困難です。ただし、補正しすぎると、ギター、ケーブル、ペダルに固有の電気ノイズが過剰に録音に含まれる可能性があります。レバーはこう言います。「プリアンプに引っかからないまでギターで出せる最大音量を出し、その後は一段階下げます。」

Setting the tone

トーンを設定する

In order to avoid the tone-chasing rabbit hole while recording, familiarity outranks experimentation. “Always record with a guitar sound you like,” Savell says. “It’s good for comfort and it also gives mixing engineers – if you’re going to work with one – a reference point if they want to build new tones.”

録音中に音を追いかけるうさぎの穴を避けるためには、実験よりも慣れが優先されます。 「常に好きなギターサウンドで録音してください」とサヴェルは言います。 「これは快適さにとっても良いことですし、ミキシング エンジニアと一緒に仕事をするのであれば、新しいトーンを構築したい場合の基準点にもなります。」

If you’re demoing your new track with your favorite tone, how should you dial in the double track’s tone? 

お気に入りのトーンで新しいトラックをデモする場合、ダブル トラックのトーンをどのように調整する必要がありますか?

Savell says it comes down to trial and error, but adds: “There are characteristics of different amps and tones that I find work well together.

Savell 氏は、最終的には試行錯誤の繰り返しだと言いますが、次のように付け加えています。

The more guitar performances you start stacking on top of each other, the smearier they can become

ギターの演奏を重ねれば重ねるほど、より汚くなってしまう可能性があります。

“A high-gain, smooth-sounding amp like a Peavey 5150 or Mesa/Boogie Dual Rectifier pairs well with a slightly backed-off breakup amp like a Marshall. It gives you a combination of saturation and a more percussive sound.”

「Peavey 5150 や Mesa/Boogie Dual Rectifier のようなハイゲインでスムーズなサウンドのアンプは、Marshall のようなわずかにバックオフしたブレイクアップ アンプとよく合います。飽和感とよりパーカッシブなサウンドの組み合わせが得られます。」

Lever’s approach is a little more streamlined: “You can’t use one rule for everything: add what you think is missing from that first tone. You don’t want to compromise either tone.”

レバーのアプローチはもう少し合理的です。「すべてに 1 つのルールを使用することはできません。最初のトーンに欠けていると思われるものを追加します。どちらのトーンも妥協したくないのです。」

Less is more

少ないほうがいいですね

Both engineers agree that recording more guitars isn’t necessarily conducive to a bigger, punchier sound. “Quad tracking is something that I only really do when I know that the guitarist is exceptionally tight,” Savell says. “The more guitar performances you start stacking on top of each other, the smearier they can become – you lose the articulation of what’s being played.

両方のエンジニアは、より多くのギターを録音することが必ずしもより大きくてパンチのあるサウンドにつながるわけではないことに同意しています。 「クアッドトラッキングは、ギタリストが非常にタイトであることがわかっている場合にのみ実際に行うものです」とサヴェルは言います。 「ギター演奏を重ねれば重ねるほど、演奏が汚くなり、演奏されているものの明瞭さが失われます。

Lever adds: “Instead of tracking more of the same, I’d be thinking about playing something different with other layers, like higher or lower octaves, ambient or lead parts to fill out the sound. Then it becomes more melodious and interesting.”

レバーは次のように付け加えています。「同じものをさらにトラッキングする代わりに、サウンドを埋めるためにより高いオクターブまたはより低いオクターブ、アンビエントまたはリード・パートなど、他のレイヤーで何か異なるものを演奏することを考えています。そうすれば、よりメロディアスで面白くなります。」

Tracking

追跡

Recognizing that many of us record their demo parts in isolation, Savell stresses that it’s “important to listen to what the other instruments are playing. If each member records to an earlier demo version, they’re not bouncing off each other’s performances – it gets a little stale and things can fall out of sync.”

私たちの多くがデモパートを単独で録音していることを認識し、サヴェル氏は「他の楽器が演奏しているものを聴くことが重要です」と強調します。各メンバーが以前のデモ バージョンに録音すると、お互いのパフォーマンスが跳ね返らず、少し古くなってしまい、同期が崩れてしまう可能性があります。」

Asked if it’s better to aim for fluid takes or a more fragmented approach, Lever says: “

流動的なテイクを目指すのが良いのか、それともより断片的なアプローチを目指すのが良いのか尋ねると、レバーはこう言います。